Depuis mon enfance, j’ai toujours aimé les tissus. Le coffre en bois de ma mère dans le couloir m’a permis de passer des heures à explorer les imprimés Colefax et Fowler, Laura Ashley, Cole & Son et Liberty, à sentir leurs textures, leur poids et à être fascinée par les répétitions de motifs et les couches complexes de couleurs. Ma mère cousait rarement mais elle collectionnait les chutes, une obsession qui, une fois décédée en 2018, m’a laissé avec plus d’une semaine pour trier et emballer sa merveilleuse collection, logée à ce moment-là dans deux immenses placards allant du sol au plafond, dans des cartons pour les faire voyager jusqu’à chez moi en France. Mon ami proche m’a aidé, d’une aide inestimable pendant cette période stressante, à descendre les lourdes boîtes dans les escaliers et à les mettre dans sa camionnette et à les transporter gentiment jusqu’à la Creuse où mon mari tenait le fort. J’étais absente presque un an pour soigner ma mère qui avait un cancer. C’était difficile. Les tissus si longtemps cachés dans l’obscurité, allaient, comme leur nouveau propriétaire, être libérés dans la lumière.
**Faites défiler pour le reste de l’article et plein de tissus colorés que j’ai conçus.**
Mon rêve d’aller à l’école des Beaux-Arts ne s’est jamais concrétisé et j’ai lutté avec l’art et la déception à ce sujet pendant des années, mais je n’ai jamais perdu mon amour pour les tissus. Dans les années 80, alors que la décoration d’intérieur DIY était à son apogée, que les vestiaires et Jocasta Innes peignaient tout, j’ai parcouru Londres à la recherche de ventes secrètes, d’informations sur les stocks en fin de série et j’ai acheté des tissus à des prix cassés. Les tissus de Jane Churchill à 1,00 £ le mètre… qui ne serait pas enthousiasmé par cela !
J’ai déjà écrit dans des articles précédents sur mes tentatives pour obtenir un emploi de décoratrice d’intérieur… avec succès dans la plupart des cas, mais malheureusement, jeune mariée, avec un mari peu enthousiaste (il faut une attitude professionnelle appropriée) et des limites financières, je n’ai malheureusement pas accepté. Mais au cours du processus, j’ai appris, j’ai étudié, j’ai suivi des cours de design, de dessin à la London Design School, Rhodec et Jackie Horseford m’ont laissé travailler au Curtain Exchange à Abbey Road tous les samedis.
J’ai adoré travailler là-bas. Les pièces étaient ornées de centaines de rideaux, la plupart allant du sol au plafond, certains mesurant 4,20 mètres de long. Au fur et à mesure que l’on avançait dans les entrailles de la boutique, les tissus devenaient plus lourds, les textures plus lourdes, les tissages plus complexes à cause des cotons imprimés en surface à l’avant de la boutique. Des rideaux anciens languissaient à l’arrière, plutôt chers et abîmés par le soleil, attendant qu’un acheteur inspiré leur donne un nouveau souffle. Des trouvailles de château, des glands français et des tringles à rideaux en bois aussi épaisses que votre bras se mêlaient aux tissus anciens, aux crochets en laiton, aux embrasses et aux pinces à rideaux… c’était le paradis pour moi à Abbey Road. J’ai également travaillé à tour de rôle dans la boutique de Wandsworth Bridge Road, avec un groupe de femmes très joyeuses et excentriques qui ont nourri mon éducation en matière de tissus, même si avec mon origine de l’est de Londres, je me sentais comme un poisson hors de l’eau.
Aujourd’hui, après une carrière dans la fiscalité, je n’aurais aucun problème à vendre des rideaux et à parler comme un designer, mais à l’époque, j’étais une épave timide et tremblante lorsqu’un client me demandait conseil. Je vendais et j’avais de très bons retours, mais après chaque vente, je me précipitais au sous-sol, le cœur battant et me sentant faible. Vendre était une guerre acharnée pour moi et ce n’est qu’aujourd’hui, à l’âge mûr, que je me sens absolument à l’aise avec le processus. Passer de l’idée de gagner de l’argent à la réalisation réelle que cela représente pour le client et qu’il en retire de la valeur et du plaisir a changé la donne, et même aujourd’hui, je vends souvent à des clients avec peu de bénéfices ou même des pertes si l’argent est serré et que leur enthousiasme est évident, car en fait, les commentaires des clients, la promotion sociale et les recommandations sont tout aussi bons que des ventes rentables… comme on l’a vu sur Etsy, beaucoup facturent trop cher et abandonnent, car ils sont motivés par le profit. Une entreprise est souvent lente à se développer, et une accumulation de production créative constante, de service client et de gratitude. À long terme, oui, vous avez besoin de bénéfices, mais vous pouvez en obtenir de nombreuses façons.
Avance rapide et un déménagement en France en 2019, j’ai tâtonné avec des idées, de l’illustration, de la couture, pataugeant surtout car je pensais toujours que tout était une question de beaux-arts, j’étais toujours mécontent de ne pas avoir de sujet qui me passionne pour peindre et j’ai continué à lire avidement sur l’art et à suivre d’autres artistes qui avaient des techniques solides, uniques et une grande confiance en leur talent. Puis le covid a frappé… les confinements. J’étais honnêtement effrayée et mes problèmes de santé ont également mis les vaccinations en attente jusqu’à ce que davantage de données soient disponibles. Je me suis enfermée avec ma volaille et j’ai gribouillé. J’ai peint Heff, mon énorme canard de Pékin en peluche, puis mon cous-nous Doobie et Onion. J’ai aimé le résultat. J’ai ensuite peint Pipi, ma pintade, et je l’ai provisoirement montrée sur Facebook. Boom !! Soudain, il y a eu plus de 400 likes et je suis très reconnaissante, des demandes pour ces drôles de petites pintades sur du tissu, des imprimés et des mugs.
En un mois, j’ai acheté une machine à sublimation, chargé Phoshop et acheté de nombreux livres sur la conception de motifs, les tissus et l’illustration. J’ai contacté les sociétés d’impression à la demande les plus connues et leur ai demandé leurs impressions matricielles en couleurs, les codes ICC pour faire correspondre mon imprimante et mon ordinateur à leur sortie couleur et j’ai entassé ce nouveau monde dans mon cerveau. J’ai regardé des designers chez Liberty à Londres, j’ai lu le parcours d’Alexander McQueen à travers le labeur de l’apprentissage jusqu’aux sommets du génie créatif… des résultats avec éclat, choc et technique. Les faiblesses du Dots Per Inch DPI ont soudainement pris un sens et j’ai parcouru les brocantes à la recherche de chutes de tissus, oubliées depuis longtemps et souvent récupérées pour quelques centimes, pour commencer des collections.
J’ai réalisé que les collections étaient une bonne méthodologie, comme le font les créateurs de mode, car elles concentrent votre créativité sur une période plus longue qu’un seul article, et il doit également y avoir une continuité collective. Cela vous pousse à être cohérent et à regarder les designs ensemble… ont-ils l’air cohérents, s’améliorent-ils réellement les uns les autres en tant que groupe, cette collection peut-elle être étendue à d’autres produits ? J’avais déjà travaillé sur mes collections Pipi Pintade, Naughty Goose et Busy Country Bee pour l’impression sur des mugs, de la faïence et de l’émail, j’avais ouvert ma boutique sur Shopify après avoir trouvé PayPal trop coûteux pour les paiements et Etsy pour l’instant trop long pour charger les produits, mais je voulais quand même m’intéresser aux tissus.
Avec un énorme élan et des années de frustration, je pense, j’ai pris des illustrations, des photos de fleurs que j’avais archivées et tous les morceaux de tissu que j’avais et, soir après soir, en les combinant souvent avec mes illustrations fantaisistes, j’ai produit plus de quatre-vingts modèles dans diverses collections. En fonction de ce que je pensais être gérable en matière de re-conception et de promotion, j’ai conservé les collections dans des styles de conception clairs basés sur ce que j’aimais créer… Styles campagnards avec des fleurs, Arts n Craft inspirés par le feuillage stylisé, Pastoral mettant en vedette ma volaille, Terre et mer pour quand je vois des textures et des matériaux naturels intéressants, Rétro et Vintage pour mes collections de jouets et de tissus des années 1930 à 1970, Fantaisiste pour mes illustrations de Pipi, créatures marines et abeilles et d’autres collections comme Nursery pour les idées inspirées du bord de mer, des fêtes foraines et du cirque.
C’était amusant de nommer les tissus aussi. Je n’avais jamais réalisé à quel point il pouvait être complexe d’essayer d’expliquer en quelques mots ce qu’un tissu inspire, pour paraître intéressant, amical ou être purement descriptif. J’ai quelques livres, des guides de référence sur les fleurs, la nature, la couleur, etc. et je vais m’y plonger. Comme les fabricants de peinture, c’est un art en soi, mais je pense que jusqu’à présent, je m’en sors bien… à condition d’arrêter de trop dire « marguerite » !
Je me sens maintenant absolument confiante pour parler de tissus, concevoir des patrons, répondre aux idées sur mesure des clients et le côté technique de l’optimisation des tirages, la façon dont le tissage affecte la couleur et la façon dont les tissus changent les pièces. Enfin, toutes mes aspirations en matière de décoration intérieure pourraient trouver un débouché réalisable dans la conception de tissus et, à l’avenir, être utilisées pour créer des décorations pour la maison, des jouets fantaisistes et décorer ma propre maison. Un long voyage, mais je suis là et extrêmement heureuse. J’ai encore beaucoup à faire en matière de promotions, de perfectionnement de mes compétences en couture et je travaille même sur des idées de broderie, mais je suis surtout heureuse que le coffre en chêne rempli de tissus, dans lequel j’adorais fouiller et fouiller quand j’étais enfant, ait enfin porté ses fruits. Le coffre attend d’être déplacé dans mon nouvel atelier et contiendra mes échantillons, mais malheureusement, je n’ai pas de fille pour me demander ce qu’il y a dans ce coffre, ni de famille pour suivre ma carrière, mais heureusement, je me suis fait de nouveaux amis en concevant ces tissus et je sais que cette nouvelle carrière mènera peut-être à d’autres relations à chérir avec le temps. Le voyage du tissu a commencé.
